54 dipinti famosi realizzati da artisti famosi

Essere un artista famoso nella tua vita non è una garanzia che altri artisti si ricorderanno di te. Hai sentito parlare del pittore francese Ernest Meissonier?

Era contemporaneo con Edouard Manet e di gran lunga l’artista di maggior successo per quanto riguarda il plauso della critica e le vendite. È vero anche il contrario, con Vincent van Gogh. Van Gogh faceva affidamento su suo fratello, Theo, per fornirgli pittura e tela, eppure oggi i suoi dipinti raggiungono prezzi record ogni volta che vengono presentati a un’asta d’arte, ed è un nome familiare.

Guardare dipinti famosi passati e presenti può insegnarti molte cose, inclusa la composizione e la manipolazione della pittura. Anche se probabilmente la lezione più importante è che alla fine dovresti dipingere per te stesso, non per un mercato o per i posteri.

“Night Watch” – Rembrandt

“Night Watch” di Rembrandt. Olio su tela. Nella collezione del Rijksmuseum di Amsterdam.
Rijksmuseum Amsterdam

Il dipinto “Night Watch” di Rembrandt si trova al Rijksmuseum di Amsterdam. Come mostra la foto, si tratta di un dipinto enorme: 363×437 cm (143×172 “). Rembrandt lo terminò nel 1642. Il suo vero titolo è” The Company of Frans Banning Cocq and Willem van Ruytenburch “, ma è meglio conosciuto come Night Watch. ( Una compagnia che fa la guardia della milizia).

La composizione del dipinto era molto diversa per il periodo. Invece di mostrare le figure in modo ordinato e ordinato, dove a tutti è stato dato lo stesso rilievo e lo stesso spazio sulla tela, Rembrandt le ha dipinte come un gruppo indaffarato in azione.

Intorno al 1715 uno scudo fu dipinto sulla “Ronda notturna” contenente i nomi di 18 persone, ma solo alcuni dei nomi erano stati identificati. (Quindi ricorda se dipingi un ritratto di gruppo: disegna un diagramma sul retro per andare con i nomi di tutti così le generazioni future lo sapranno!) Nel marzo 2009 lo storico olandese Bas Dudok van Heel ha finalmente svelato il mistero di chi è chi nel dipinto. La sua ricerca ha anche trovato capi di abbigliamento e accessori raffigurati nella “Ronda di notte” citati negli inventari delle tenute di famiglia, che ha poi confrontato con l’età dei vari miliziani nel 1642, anno in cui il dipinto è stato completato.

Dudok van Heel ha anche scoperto che nella sala in cui è stata appesa per la prima volta “Night Watch” di Rembrandt, c’erano sei ritratti di gruppo di una milizia originariamente esposti in una serie continua, non sei dipinti separati come si è pensato a lungo. Piuttosto, i sei ritratti di gruppo di Rembrandt, Pickenoy, Bakker, Van der Helst, Van Sandrart e Flinck formavano un fregio ininterrotto, uno corrispondente all’altro e fissato nei pannelli di legno della stanza. O quella era l’intenzione. “Night Watch” di Rembrandt non si adatta agli altri dipinti né per composizione né per colore. Sembra che Rembrandt non abbia rispettato i termini della sua commissione. Ma poi, se lo avesse fatto, non avremmo mai avuto questo ritratto di gruppo del XVII secolo sorprendentemente diverso.

“Lepre” – Albrecht Dürer

Albrecht Dürer, Lepre, 1502. Acquarello e tempera, pennello, ravvivato con tempera bianca.
Museo Albertina

Comunemente indicato come coniglio di Dürer, il titolo ufficiale di questo dipinto lo chiama lepre. Il dipinto è nella collezione permanente della Collezione Batliner del Museo Albertina di Vienna, in Austria.

È stato dipinto usando acquarello e tempera, con i punti salienti bianchi fatti a guazzo (piuttosto che essere il bianco non dipinto della carta).

È un esempio spettacolare di come si può dipingere la pelliccia. Per emularlo, l’approccio che adotteresti dipende da quanta pazienza hai. Se hai una gran quantità, dipingerai usando un pennello sottile, un capello alla volta. Altrimenti, usa una tecnica a pennello asciutto o dividi i peli su un pennello. La pazienza e la resistenza sono essenziali. Lavora troppo velocemente sulla vernice bagnata e le singole pennellate rischiano di sfumare. Non continuare abbastanza a lungo e la pelliccia sembrerà logora.

Affresco del soffitto della Cappella Sistina – Michelangelo

Visto nel suo insieme, l’affresco sul soffitto della Cappella Sistina è travolgente; c’è semplicemente troppo da comprendere e sembra inconcepibile che l’affresco sia stato progettato da un artista.
Franco Origlia / Getty Images

Il dipinto di Michelangelo del soffitto della Cappella Sistina è uno degli affreschi più famosi al mondo.

La Cappella Sistina è una grande cappella nel Palazzo Apostolico, la residenza ufficiale del Papa (il leader della Chiesa cattolica) nella Città del Vaticano. Ha molti affreschi dipinti da alcuni dei più grandi nomi del Rinascimento, inclusi gli affreschi murali di Bernini e Raffaello, ma è più famoso per gli affreschi sul soffitto di Michelangelo.

Michelangelo nacque il 6 marzo 1475 e morì il 18 febbraio 1564. Commissionato da Papa Giulio II, Michelangelo lavorò al soffitto della Cappella Sistina dal maggio 1508 all’ottobre 1512 (nessun lavoro fu fatto tra settembre 1510 e agosto 1511). La cappella fu inaugurata il 1 novembre 1512, nella festa di Ognissanti.

La cappella è lunga 40.23 metri, larga 13.40 metri e il soffitto è alto 20.70 metri nel punto più alto1. Michelangelo dipinse una serie di scene bibliche, profeti e antenati di Cristo, oltre a trompe l’oeil o elementi architettonici. L’area principale del soffitto raffigura storie tratte dalle storie del libro della Genesi, tra cui la creazione dell’umanità, la caduta dell’uomo dalla grazia, il diluvio e Noè.

Soffitto della Cappella Sistina: un dettaglio

La creazione di Adamo è forse il pannello più noto della famosa Cappella Sistina. Notare che la composizione è decentrata.
Fotopress / Getty Images

Il pannello raffigurante la creazione dell’uomo è probabilmente la scena più nota nel famoso affresco di Michelangelo sul soffitto della Cappella Sistina.

La Cappella Sistina in Vaticano ha molti affreschi dipinti al suo interno, ma è famosa soprattutto per gli affreschi sul soffitto di Michelangelo. Tra il 1980 e il 1994 è stato eseguito un ampio restauro da esperti d’arte vaticani, rimuovendo secoli di fumo dalle candele e dai precedenti lavori di restauro. Questo ha rivelato colori molto più luminosi di quanto si pensasse in precedenza.

I pigmenti utilizzati da Michelangelo includevano l’ocra per i rossi e i gialli, i silicati di ferro per i verdi, il lapislazzuli per i blu e il carbone per il nero.1 Non tutto è dipinto con i dettagli che appaiono inizialmente. Ad esempio, le figure in primo piano sono dipinte in modo più dettagliato rispetto a quelle sullo sfondo, aumentando il senso di profondità nel soffitto.

Altro sulla Cappella Sistina:

• Musei Vaticani: Cappella Sistina
• Tour virtuale della Cappella Sistina

Fonte:
1 Musei Vaticani: La Cappella Sistina, sito web dello Stato della Città del Vaticano, accesso 9 settembre 2010.

Leonardo da Vinci Notebook

Questo piccolo taccuino di Leonardo da Vinci (ufficialmente identificato come Codex Forster III) si trova al V&A Museum di Londra.
Marion Boddy-Evans / Concesso in licenza a About.com, Inc.

L’artista rinascimentale Leonardo da Vinci è famoso non solo per i suoi dipinti ma anche per i suoi taccuini. Questa foto ne mostra uno al V&A Museum di Londra.

Il V&A Museum di Londra ha cinque taccuini di Leonardo da Vinci nella sua collezione. Questo, noto come Codex Forster III, fu utilizzato da Leonardo da Vinci tra il 1490 e il 1493 quando lavorava a Milano per il duca Ludovico Sforza.

È un piccolo taccuino, il tipo di formato che potresti facilmente tenere in una tasca del cappotto. È pieno di ogni sorta di idee, appunti e schizzi, inclusi “schizzi di zampe di cavallo, disegni di cappelli e vestiti che potrebbero essere stati idee per costumi da ballo e un resoconto dell’anatomia della testa umana”. 1 Mentre non puoi sfogliare le pagine del quaderno del museo, puoi sfogliarlo online.

Leggere la sua calligrafia non è facile, tra lo stile calligrafico e il suo uso della scrittura a specchio (all’indietro, da destra a sinistra) ma alcuni trovano affascinante vedere come mette tutti i tipi in un taccuino. È un taccuino funzionante, non un pezzo forte. Se ti sei mai preoccupato che il tuo diario della creatività non fosse in qualche modo fatto o organizzato correttamente, prendi la guida di questo maestro: fallo come ti serve.

Fonte:
1. Esplora i codici Forster, V&A Museum. (Accesso 8 agosto 2010.)

“The Mona Lisa” – Leonardo da Vinci

“La Gioconda” di Leonardo da Vinci. Dipinto c.1503-19. Pittura a olio su legno. Dimensioni: 30 x 20 “(77 x 53 cm). Questo famoso dipinto è ora nella collezione del Louvre di Parigi.
Stuart Gregory / Getty Images

Il dipinto “La Gioconda” di Leonardo da Vinci, al Louvre di Parigi, è probabilmente il dipinto più famoso al mondo. Probabilmente è anche l’esempio più noto di sfumato, una tecnica pittorica in parte responsabile del suo sorriso enigmatico.

Ci sono state molte speculazioni su chi fosse la donna nel dipinto. Si pensa che sia un ritratto di Lisa Gherardini, moglie di un mercante di stoffe fiorentino chiamato Francesco del Giocondo. (Lo scrittore d’arte del Cinquecento Vasari fu tra i primi a suggerirlo, nelle sue “Vite degli artisti”). È stato anche suggerito che il motivo del suo sorriso fosse che era incinta.

Gli storici dell’arte sanno che Leonardo aveva iniziato la “Gioconda” nel 1503, come un record di esso è stato fatto in quell’anno da un alto funzionario fiorentino, Agostino Vespucci. Quando ha finito, è meno certo. Il Louvre datò originariamente il dipinto al 1503-06, ma le scoperte fatte nel 2012 suggeriscono che potrebbe essere stato fino a un decennio più tardi prima che fosse finito in base allo sfondo basato su un disegno di rocce che è noto abbia fatto nel 1510 -15.1 Il Louvre ha cambiato le date in 1503-19 nel marzo 2012.

Fonte: 
1. Mona Lisa avrebbe potuto essere completata un decennio più tardi di quanto si pensasse in The Art Newspaper, di Martin Bailey, 7 marzo 2012 (accesso 10 marzo 2012)

Pittori famosi: Monet a Giverny

Monet seduto accanto al laghetto delle ninfee nel suo giardino a Giverny in Francia.
Archivio Hulton / Getty Images

Foto di riferimento per la pittura: “Giardino a Giverny” di Monet.

Parte del motivo per cui il pittore impressionista Claude Monet è così famoso sono i suoi dipinti dei riflessi negli stagni di ninfee che ha creato nel suo ampio giardino a Giverny. Ha ispirato per molti anni, fino alla fine della sua vita. Ha abbozzato idee per dipinti ispirati agli stagni e ha creato dipinti piccoli e grandi sia come opere singole che come serie.

Firma di Claude Monet

Firma di Claude Monet sul suo dipinto Ninfee del 1904.
Bruno Vincent / Getty Images

Questo esempio di come Monet ha firmato i suoi dipinti proviene da uno dei suoi dipinti di ninfee. Puoi vedere che l’ha firmato con un nome e cognome (Claude Monet) e l’anno (1904). È nell’angolo in basso a destra, abbastanza in profondità da non essere tagliato dalla cornice.

Il nome completo di Monet era Claude Oscar Monet.

“Impression Sunrise” – Monet

“Impression Sunrise” di Monet (1872). Olio su tela. Circa 18 x 25 pollici o 48 x 63 cm. Attualmente al Musée Marmottan Monet di Parigi.
Buyenlarge / Getty Images

Questo dipinto di Monet ha dato il nome allo stile artistico impressionista. Lo espose nel 1874 a Parigi in quella che divenne nota come la prima mostra impressionista.

Nella sua recensione della mostra che ha intitolato “Exhibition of Impressionists”, il critico d’arte Louis Leroy ha detto:

“La carta da parati nel suo stato embrionale è più rifinita di quel paesaggio marino.”

Fonte:
1. “L’Exposition des Impressionnistes” di Louis Leroy, Le Charivari, 25 aprile 1874, Parigi. Tradotto da John Rewald in The History of Impressionism, Moma, 1946, p256-61; citato in Salon to Biennial: Exhibitions that Made Art History di Bruce Altshuler, Phaidon, p42-43.

Serie “Haystacks” – Monet

Una collezione di dipinti famosi per ispirarti e ampliare le tue conoscenze artistiche.
Mysticchildz / Nadia / Flickr

Monet dipingeva spesso una serie dello stesso soggetto per catturare gli effetti mutevoli della luce, scambiando le tele nel corso della giornata.

Monet ha dipinto molti soggetti ancora e ancora, ma ognuno dei suoi dipinti in serie è diverso, che si tratti di un dipinto di una ninfea o di un pagliaio. Poiché i dipinti di Monet sono sparsi in collezioni in tutto il mondo, di solito è solo in mostre speciali che i suoi dipinti in serie sono visti come un gruppo. Fortunatamente, l’Art Institute di Chicago ha molti dei dipinti di pagliai di Monet nella sua collezione, poiché insieme fanno una visione impressionante:

  • Pila di grano
  • Scongelare, Tramonto
  • Tramonto, effetto neve
  • Effetto neve, giornata nuvolosa
  • Fine Estate

Nell’ottobre 1890 Monet scrisse una lettera al critico d’arte Gustave Geffroy sulla serie di pagliai che stava dipingendo, dicendo:

“Sono duro, lavoro ostinatamente su una serie di effetti diversi, ma in questo periodo dell’anno il sole tramonta così velocemente che è impossibile stargli dietro … più vado avanti, più vedo che un molto lavoro deve essere fatto per rendere ciò che cerco: ‘istantaneità’, l ” ‘involucro’ ‘soprattutto, la stessa luce diffusa su tutto … Sono sempre più ossessionato dalla necessità di rendere ciò che io esperienza, e prego che mi restino ancora qualche buon anno perché penso di poter fare dei progressi in quella direzione … “1

Fonte:
1. Monet by Himself, p172, a cura di Richard Kendall, MacDonald & Co, Londra, 1989.

“Ninfee” – Claude Monet

Galleria di dipinti famosi di artisti famosi.
Foto: © davebluedevil (Creative Commons Alcuni diritti riservati)

Claude Monet, “Water Lilies”, c. 19140-17, olio su tela. Dimensioni 65 3/8 x 56 pollici (166.1 x 142.2 cm). Nella collezione dei Musei delle Belle Arti di San Francisco.

Monet è forse il più famoso degli impressionisti, soprattutto per i suoi dipinti dei riflessi nello stagno delle ninfee nel suo giardino di Giverny. Questo particolare dipinto mostra un pezzetto di nuvola nell’angolo in alto a destra e il blu screziato del cielo che si riflette nell’acqua.

Se studi le foto del giardino di Monet, come questa del laghetto delle ninfee di Monet e questa dei fiori di giglio, e le confronti con questo dipinto, avrai un’idea di come Monet abbia ridotto i dettagli nella sua arte, inclusa solo l’essenza di la scena, o l’impressione del riflesso, dell’acqua e del fiore di giglio. Fare clic sul collegamento “Visualizza a schermo intero” sotto la foto sopra per una versione più grande in cui è più facile avere un’idea delle pennellate di Monet.

Il poeta francese Paul Claudel ha detto:

“Grazie all’acqua, [Monet] è diventato il pittore di ciò che non possiamo vedere. Si rivolge a quella superficie spirituale invisibile che separa la luce dal riflesso. Azzurro arioso prigioniero dell’azzurro liquido … Il colore sale dal fondo dell’acqua nelle nuvole, negli idromassaggi. ”

Fonte:
Pagina 262 L’arte del nostro secolo, di Jean-Louis Ferrier e Yann Le Pichon

Firma di Camille Pissarro

Firma dell’artista impressionista Camille Pissarro sul suo dipinto del 1870 “Paesaggio nelle vicinanze di Louveciennes (autunno)”.
Ian Waldie / Getty Images

Il pittore Camille Pissarro tende ad essere meno conosciuto di molti dei suoi contemporanei (come Monet) ma ha un posto unico nella linea temporale dell’arte. Ha lavorato sia come impressionista che neoimpressionista, oltre a influenzare artisti ormai famosi come Cézanne, Van Gogh e Gauguin. Fu l’unico artista a esporre in tutte e otto le mostre impressioniste a Parigi dal 1874 al 1886.

Autoritratto di Van Gogh (1886/1887)

Autoritratto di Vincent van Gogh (1886/1887). 41×32.5cm, olio su tavola d’artista, montato su tavola. Nella collezione dell’Art Institute of Chicago.
Jimcchou / Flickr 

Questo ritratto di Vincent van Gogh è nella collezione dell’Art Institute of Chicago. È stato dipinto usando uno stile simile al puntinismo ma non si attacca rigorosamente solo ai punti.

Nei due anni in cui visse a Parigi, dal 1886 al 1888, Van Gogh dipinse 24 autoritratti. L’Art Institute of Chicago ha descritto questo come utilizza la “tecnica del punto” di Seurat non come un metodo scientifico, ma “un linguaggio emotivo intenso” in cui “i punti rossi e verdi sono disturbanti e totalmente in sintonia con la tensione nervosa evidente in van Gogh sguardo.”

In una lettera di alcuni anni dopo a sua sorella Wilhelmina, Van Gogh scrisse:

“Ultimamente ho dipinto due immagini di me stesso, una delle quali ha piuttosto il vero carattere, penso, anche se in Olanda probabilmente deriderebbero le idee sulla ritrattistica che stanno germogliando qui … Penso sempre che le fotografie siano abominevoli, e io non mi piace averli intorno, in particolare non quelli di persone che conosco e amo …. i ritratti fotografici appassiscono molto prima di noi stessi, mentre il ritratto dipinto è una cosa che si sente, fatta con amore o rispetto per il essere umano che viene ritratto “.

Fonte: 
Lettera a Wilhelmina van Gogh, 19 settembre 1889

Firma di Vincent van Gogh

“The Night Cafe” di Vincent van Gogh (1888).
Teresa Veramendi / Vincent’s Yellow

Il Night Cafe di Van Gogh è ora nella collezione della Yale University Art Gallery. È noto che Van Gogh ha firmato solo quei dipinti di cui era particolarmente soddisfatto, ma ciò che è insolito nel caso di questo dipinto è che ha aggiunto un titolo sotto la sua firma, “Le café de Nuit”.

Si noti che Van Gogh ha firmato i suoi dipinti semplicemente “Vincent”, non “Vincent van Gogh” né “Van Gogh”.

In una lettera a suo fratello Theo, scritta il 24 marzo 1888, disse: 

“In futuro il mio nome dovrebbe essere messo in catalogo così come lo firmo sulla tela, cioè Vincent e non Van Gogh, per il semplice motivo che qui non sanno come pronunciare quest’ultimo nome.”

“Qui” essendo Arles, nel sud della Francia.

Se ti sei chiesto come si pronuncia Van Gogh, ricorda che è un cognome olandese, non francese o inglese. Quindi il “Gogh” è pronunciato, quindi fa rima con lo scozzese “loch”. Non è “goff” né “go”.
 

La notte stellata – Vincent van Gogh

La notte stellata di Vincent van Gogh (1889). Olio su tela, 29×36 1/4 “(73.7×92.1 cm). Nella collezione del Moma, New York.
Jean-Francois Richard

Questo dipinto, che è forse il dipinto più famoso di Vincent van Gogh, è nella collezione del Museum of Modern Art di New York.

Van Gogh dipinse La notte stellata nel giugno 1889, dopo aver menzionato la stella del mattino in una lettera al fratello Theo scritta intorno al 2 giugno 1889: “Questa mattina ho visto il paese dalla mia finestra molto tempo prima dell’alba, con nient’altro che il stella del mattino, che sembrava molto grande. ” La stella del mattino (in realtà il pianeta Venere, non una stella) è generalmente considerata la grande stella bianca dipinta appena a sinistra del centro del dipinto.

Le prime lettere di Van Gogh menzionano anche le stelle e il cielo notturno e il suo desiderio di dipingerli:

1. “Quando mai riuscirò a fare il cielo stellato, quell’immagine che è sempre nella mia mente?” (Lettera a Emile Bernard, 18 giugno 1888 circa)
2. “Quanto al cielo stellato, continuo a sperare di dipingerlo, e forse uno di questi giorni lo farò” (Lettera a Theo van Gogh, 26 settembre 1888 circa).
3. “Al momento voglio assolutamente dipingere un cielo stellato. Spesso mi sembra che la notte sia ancora più ricca di colori del giorno; ha tonalità delle violette, dei blu e dei verdi più intensi. Se solo ci presti attenzione. vedrai che alcune stelle sono giallo limone, altre rosa o una brillantezza verde, blu e non ti scordar di me … è ovvio che mettere piccoli puntini bianchi sul blu-nero non è sufficiente per dipingere un cielo stellato . ” (Lettera a Wilhelmina van Gogh, 16 settembre 1888)

Il Restaurant de la Sirene, ad Asnieres – Vincent van Gogh

“Il Ristorante de la Sirene, ad Asnieres” di Vincent van Gogh.
Marion Boddy-Evans (2007) / Concesso in licenza a About.com, Inc.

Questo dipinto di Vincent van Gogh è nella collezione dell’Ashmolean Museum di Oxford, nel Regno Unito. Van Gogh lo dipinse subito dopo essere arrivato a Parigi nel 1887 per vivere con suo fratello Theo a Montmartre, dove Theo gestiva una galleria d’arte.

Per la prima volta, Vincent è stato esposto ai dipinti degli impressionisti (in particolare Monet) e ha incontrato artisti come Gauguin, Toulouse-Lautrec, Emile Bernard e Pissarro. Rispetto al suo lavoro precedente, che era dominato dai toni della terra scura tipici dei pittori del nord Europa come Rembrandt, questo dipinto mostra l’influenza di questi artisti su di lui.

I colori che ha usato si sono schiariti e schiariti, e la sua pennellata è diventata più morbida e più evidente. Guarda questi dettagli del dipinto e vedrai come ha usato piccoli tratti di colore puro, messi a parte. Non sta mescolando i colori sulla tela, ma permettendo che ciò accada negli occhi dello spettatore. Sta provando l’approccio del colore spezzato degli impressionisti.

Rispetto ai suoi dipinti successivi, le strisce di colore sono distanziate, con uno sfondo neutro che mostra tra di loro. Non sta ancora coprendo l’intera tela con colori saturi, né sfruttando le possibilità di usare i pennelli per creare texture nella pittura stessa.

The Restaurant de la Sirene, at Asnieres di Vincent van Gogh (dettaglio)

Particolari da “Il ristorante de la Sirene, ad Asnieres” di Vincent van Gogh (olio su tela, Museo Ashmolean).
Marion Boddy-Evans (2007) / Concesso in licenza a About.com, Inc.

Questi dettagli dal dipinto di Van Gogh The Restaurant de la Sirene, ad Asnieres (nella collezione del Museo Ashmolean), mostrano come ha sperimentato la sua pennellata e le sue pennellate dopo l’esposizione ai dipinti degli impressionisti e di altri artisti parigini contemporanei.

“Quattro ballerini” – Edgar Degas

MikeandKim / Flickr

Edgar Degas, Quattro ballerini, c. 1899. Olio su tela. Dimensioni 59 1/2 x 71 pollici (151.1 x 180.2 cm). Nella National Gallery of Art di Washington.

“Ritratto della madre dell’artista” – Whistler

“Disposizione in grigio e nero n. 1, Ritratto della madre dell’artista” di James Abbott McNeill Whistler (1834-1903). 1871. 144.3×162.5 cm. Olio su tela. Nella collezione del Musee d’Orsay, Parigi.
Bill Pugliano / Getty Images / Musee d’Orsay / Parigi / Francia

Questo è forse il dipinto più famoso di Whistler. Il suo titolo completo è “Arrangement in Grey and Black No. 1, Portrait of the Artist’s Mother”. Sua madre accettò di posare per il dipinto quando il modello che Whistler stava usando si ammalò. Inizialmente le chiese di posare in piedi, ma come puoi vedere si arrese e la lasciò sedersi.

Sul muro c’è un’acquaforte di Whistler, “Black Lion Wharf”. Se guardi molto attentamente sul sipario in alto a sinistra della cornice dell’incisione, vedrai una macchia più chiara, che è il simbolo della farfalla che Whistler usava per firmare i suoi dipinti. Il simbolo non è sempre stato lo stesso, ma è cambiato e la sua forma viene utilizzata per datare la sua opera d’arte. Si sa che aveva iniziato a usarlo nel 1869.

“Hope II” – Gustav Klimt

“Hope II” – Gustav Klimt.
Jessica Jeanne / Flickr

“Chiunque voglia sapere qualcosa di me – come artista, l’unica cosa degna di nota – dovrebbe guardare attentamente le mie foto e cercare di vedere in esse cosa sono e cosa voglio fare”. Klimt

Gustav Klimt dipinse Hope II su tela nel 1907/8 usando colori ad olio, oro e platino. Misura 43.5 x 43.5 cm (110.5 x 110.5 pollici). Il dipinto fa parte della collezione del Museum of Modern Art di New York.

Hope II è un bellissimo esempio dell’uso della foglia d’oro da parte di Klimt nei dipinti e del suo ricco stile ornamentale. Guarda il modo in cui ha dipinto l’abito indossato dalla figura principale, come è una forma astratta decorata con cerchi eppure la ‘leggiamo’ ancora come un mantello o un vestito. Come in fondo si fonde con le altre tre facce.

Nella sua biografia illustrata di Klimt, il critico d’arte Frank Whitford ha detto:

Klimt “ha applicato delle vere foglie d’oro e d’argento per aumentare ulteriormente l’impressione che il dipinto sia un oggetto prezioso, non lontanamente uno specchio in cui si intravede la natura ma un manufatto lavorato con cura”. 2

È un simbolismo che è ancora considerato valido al giorno d’oggi dato che l’oro è ancora considerato un bene prezioso.

Klimt visse a Vienna in Austria e traeva ispirazione più dall’Oriente che dall’Occidente, da “fonti come l’arte bizantina, la lavorazione dei metalli micenea, i tappeti persiani e le miniature, i mosaici delle chiese di Ravenna e gli schermi giapponesi”. 3

Fonte:
1. Artisti nel contesto: Gustav Klimt di Frank Whitford (Collins & Brown, Londra, 1993), quarta di copertina.
2. Ibid. p82.
3. Momenti salienti del MoMA (Museum of Modern Art, New York, 2004), p. 54

Firma di Picasso

Firma di Picasso sul suo dipinto del 1903 “Ritratto di Angel Fernandez de Soto” (o “Il bevitore di assenzio”).
Oli Scarff / Getty Images

Questa è la firma di Picasso sul suo dipinto del 1903 (dal suo periodo blu) intitolato “Il bevitore di assenzio”.

Picasso ha sperimentato varie versioni abbreviate del suo nome come firma pittorica, comprese le iniziali cerchiate, prima di impostare “Pablo Picasso”. Oggi generalmente lo sentiamo chiamare semplicemente “Picasso”.

Il suo nome completo era: Pablo, Digo, Jose, Francisco de Paula, Juan Nepomuceno, Maria de los Remedios, Cipriano, de la Santisima Trinidad, Ruiz Picasso1.

Fonte:
1. “A Sum of Destructions: Picasso’s Cultures and the Creation of Cubism”, di Natasha Staller. Yale University Press. Pagina p209.

“Il bevitore di assenzio” – Picasso

Il dipinto di Picasso del 1903 “Ritratto di Angel Fernandez de Soto” (o “Il bevitore di assenzio”).
Oli Scarff / Getty Images

Questo dipinto è stato creato da Picasso nel 1903, durante il suo periodo blu (un’epoca in cui i toni del blu dominavano i dipinti di Picasso, quando aveva vent’anni). Presenta l’artista Angel Fernandez de Soto, che era più entusiasta di fare festa e bere del suo dipinto1, e che ha condiviso uno studio con Picasso a Barcellona in due occasioni.

Il dipinto è stato messo all’asta nel giugno 2010 dalla Andrew Lloyd Webber Foundation dopo che negli Stati Uniti era stato raggiunto un accordo extragiudiziale sulla proprietà, a seguito di una rivendicazione dei discendenti del banchiere ebreo tedesco Paul von Mendelssohn-Bartholdy che il dipinto era stato costretto negli anni ‘1930 durante il regime nazista in Germania.

Fonte:
1. Comunicato stampa della casa d’aste Christie’s, “Christie’s to Offer Picasso Masterpiece”, 17 marzo 2010.

“La tragedia” – Picasso

“La tragedia” – Picasso.
MikeandKim / Flickr

Pablo Picasso, La tragedia, 1903. Olio su tavola. Dimensioni 41 7/16 x 27 3/16 pollici (105.3 x 69 cm). Nella National Gallery of Art di Washington.

È del suo periodo blu, quando i suoi dipinti erano, come suggerisce il nome, tutti dominati dal blues.

Schizzo di Picasso per il suo famoso dipinto “Guernica”

Schizzo di Picasso per il suo dipinto “Guernica.”.
Gotor / Cover / Getty Images

Mentre progettava e lavorava al suo enorme dipinto Guernica, Picasso fece molti schizzi e studi. La foto mostra uno dei suoi schizzi di composizione, che di per sé non sembra un gran che, una raccolta di linee scarabocchiate.

Invece di cercare di decifrare quali potrebbero essere le varie cose e dove si trovano nel dipinto finale, pensalo come una stenografia di Picasso. Un semplice segno per le immagini che aveva in mente. Concentrati su come lo usa per decidere dove posizionare gli elementi nel dipinto, sull’interazione tra questi elementi.

“Guernica” – Picasso

“Guernica” – Picasso.
Bruce Bennett / Getty Images

Questo famoso dipinto di Picasso è enorme: 11 piedi e 6 pollici di altezza e 25 piedi e 8 pollici di larghezza (3,5 x 7,76 metri). Picasso lo dipinse su commissione per il Padiglione spagnolo all’Esposizione Universale del 1937 a Parigi. È nel Museo Reina Sofia di Madrid, in Spagna.

“Ritratto del signor Minguell” – Picasso

“Ritratto di Mr Minguell” di Pablo Picasso (1901). Pittura ad olio su carta posata su tela. Dimensioni: 52×31.5 cm (20 1/2 x 12 3/8 pollici).
Oli Scarff / Getty Images

Picasso fece questo ritratto nel 1901 quando aveva 20 anni. Il soggetto è un sarto catalano, il signor Minguell, a cui si crede che Picasso sia stato presentato dal suo mercante d’arte e amico Pedro Manach1. Lo stile mostra la formazione di Picasso nella pittura tradizionale e fino a che punto si è sviluppato il suo stile pittorico durante la sua carriera. Il fatto che sia dipinto su carta è un segno che è stato fatto in un momento in cui Picasso era al verde, non ancora guadagnando abbastanza soldi dalla sua arte per dipingere su tela.

Picasso ha dato a Minguell il dipinto in dono, ma in seguito lo ha ricomprato e lo aveva ancora quando morì nel 1973. Il dipinto fu messo su tela e probabilmente anche restaurato sotto la guida di Picasso “qualche tempo prima del 1969” 2, quando fu fotografato libro di Christian Zervos su Picasso.

La prossima volta che partecipi a una di quelle discussioni a cena su come tutti i pittori non realisti dipingano solo astratti, cubisti, fauvisti, impressionisti, scegli il tuo stile perché non possono fare “veri dipinti”, chiedi alla persona se lo mettono Picasso in questa categoria (la maggior parte lo fa), quindi menziona questo dipinto.

Fonte:
1 & 2. Bonhams Sale 17802 Dettagli lotto Vendita di arte moderna e impressionista 22 giugno 2010. (Accesso 3 giugno 2010.)

“Dora Maar” o “Testa di donna” – Picasso

“Dora Maar” o “Tête De Femme” – Picasso.
Peter Macdiarmid / Getty Images

Quando è stato venduto all’asta nel giugno 2008, questo dipinto di Picasso è stato venduto per £ 7,881,250 (US $ 15,509,512). La stima dell’asta era compresa tra i tre ei cinque milioni di sterline.

Le giovani donne di Avignone – Picasso

Les Demoiselles d’Avignon di Pablo Picasso, 1907. Olio su tela, 8 x 7 cm. Museum of Modern Art (Moma) New York.
Davina DeVries / Flickr 

Questo enorme dipinto (quasi otto piedi quadrati) di Picasso è annunciato come uno dei pezzi più importanti di arte moderna mai creato, se non il più importante, un dipinto cruciale nello sviluppo dell’arte moderna. Il dipinto raffigura cinque donne – prostitute in un bordello – ma c’è molto dibattito su cosa significhi tutto questo e su tutti i riferimenti e le influenze in esso.

Il critico d’arte Jonathan Jones1 afferma:

“Quello che colpì Picasso delle maschere africane [evidente nei volti delle figure a destra] era la cosa più ovvia: che ti mascherano, ti trasformano in qualcos’altro – un animale, un demone, un dio. Il modernismo è un’arte che indossa una maschera. Non dice cosa significa; non è una finestra ma un muro. Picasso ha scelto il suo soggetto proprio perché era un cliché: voleva mostrare che l’originalità nell’arte non sta nella narrativa, o nella moralità, ma in invenzione formale. Ecco perché è sbagliato vedere Les Demoiselles d’Avignon come un dipinto “sui bordelli, sulle prostitute o sul colonialismo”.

Fonte:
1. Pablo’s Punks di Jonathan Jones, The Guardian, 9 gennaio 2007.

“Donna con una chitarra” – Georges Braque

“Donna con una chitarra” – Georges Braque.
Independentman / Flickr

Georges Braque, Donna con chitarra, 1913. Olio e carboncino su tela. 51 1/4 x 28 3/4 pollici (130 x 73 cm). Al Musee National d’Art Moderne, Centre Georges Pompidou, Parigi.

The Red Studio – Henri Matisse

The Red Studio – Henri Matisse.
Liane / Lil’bear / Flickr

Questo dipinto è nella collezione del Museum of Modern Art (Moma) di New York. Mostra l’interno dello studio di pittura di Matisse, con prospettiva appiattita o un unico piano pittorico. Le pareti del suo studio non erano effettivamente rosse, erano bianche; ha usato il rosso nella sua pittura per effetto.

In mostra nel suo studio sono varie delle sue opere e pezzi di mobili da studio. I contorni dei mobili nel suo studio sono linee nella vernice che rivelano il colore da uno strato inferiore, giallo e blu, non dipinto sopra il rosso.

1. “Le linee angolate suggeriscono profondità e la luce blu-verde della finestra intensifica il senso di spazio interno, ma la distesa di rosso appiattisce l’immagine. Matisse accentua questo effetto, ad esempio, omettendo la linea verticale dell’angolo di la stanza.”
– MoMA Highlights, pubblicato da Moma, 2004, pagina 77.

2. “Tutti gli elementi … affondano la loro identità individuale in quella che divenne una prolungata meditazione sull’arte e la vita, lo spazio, il tempo, la percezione e la natura della realtà stessa … un crocevia per la pittura occidentale, dove il classico sguardo esteriore , l’arte prevalentemente rappresentativa del passato ha incontrato l’ethos provvisorio, interiorizzato e autoreferenziale del futuro … “
– Hilary Spurling“ pagina 81.

La danza – Henri Matisse

Galleria di dipinti famosi di artisti famosi “La danza” di Henri Matisse (in alto) e il disegno a olio che ha fatto per essa (in basso).
Foto © Cate Gillon (in alto) e Sean Gallup (in basso) / Getty Images

La foto in alto mostra il dipinto finito di Matisse intitolato The Dance, completato nel 1910 e ora nel Museo statale dell’Ermitage a San Pietroburgo, in Russia. La foto in basso mostra lo studio compositivo a grandezza naturale che ha realizzato per il dipinto, ora al MOMA di New York, USA. Matisse lo ha dipinto su commissione del collezionista d’arte russo Sergei Shchukin.

È un enorme dipinto, largo quasi quattro metri e alto due metri e mezzo (12 ‘9 1/2 “x 8’ 6 1/2”), ed è dipinto con una tavolozza limitata a tre colori: rosso , verde e blu. Penso che sia un dipinto che mostra perché Matisse ha una tale reputazione come colorista, in particolare quando si confronta lo studio con il dipinto finale con le sue figure luminose.

Nella sua biografia di Matisse (a pagina 30), Hilary Spurling dice:

“Coloro che hanno visto la prima versione di Dance l’hanno descritta come pallida, delicata, persino onirica, dipinta con colori che sono stati accentuati … nella seconda versione in un feroce fregio piatto di figure vermiglie che vibravano contro bande di verde brillante e cielo. I contemporanei vedevano il dipinto come pagano e dionisiaco “.

Nota la prospettiva appiattita, come le figure hanno le stesse dimensioni piuttosto che quelle più lontane dall’essere più piccole come accadrebbe in prospettiva o scorcio per i dipinti rappresentativi. Come la linea tra il blu e il verde dietro le figure è curva, riecheggiando il cerchio delle figure.

“La superficie era colorata a saturazione, al punto che il blu, l’idea del blu assoluto, era definitivamente presente. Un verde brillante per la terra e un vermiglio vibrante per i corpi. Con questi tre colori ho avuto la mia armonia di luce e anche purezza di tono. ” – Matisse

Fonte:
“Introduzione alla mostra Dal russo per insegnanti e studenti” di Greg Harris, Royal Academy of Arts, Londra, 2008.  

Pittori famosi: Willem de Kooning

Willem de Kooning dipinge nel suo studio a Easthampton, Long Island, New York, nel 1967.
Ben Van Meerondonk / Hulton Archive / Getty Images

Il pittore Willem de Kooning nacque a Rotterdam, nei Paesi Bassi, il 24 agosto 1904, e morì a Long Island, New York, il 19 marzo 1997. De Kooning fu apprendista presso un’azienda di arte commerciale e decorazione all’età di 12 anni e frequentò corsi serali presso per otto anni all’Accademia di Belle Arti e Tecniche di Rotterdam. Emigrò negli Stati Uniti nel 1926 e iniziò a dipingere a tempo pieno nel 1936.

Lo stile pittorico di De Kooning era l’espressionismo astratto. Ha avuto la sua prima mostra personale alla Charles Egan Gallery di New York nel 1948, con un corpo di lavoro in vernice a smalto in bianco e nero. (Ha iniziato a usare la vernice a smalto perché non poteva permettersi i pigmenti dell’artista.) Negli anni ‘1950 è stato riconosciuto come uno dei leader dell’espressionismo astratto, sebbene alcuni puristi dello stile pensassero che i suoi dipinti (come la sua serie Woman) includessero anche gran parte della forma umana.

I suoi dipinti contengono molti strati, elementi sovrapposti e nascosti mentre rielaborava e rielaborava un dipinto. Le modifiche possono essere visualizzate. Ha disegnato sulle sue tele a carboncino ampiamente, per la composizione iniziale e mentre dipingeva. La sua pennellata è gestuale, espressiva, selvaggia, con un senso di energia dietro i tratti. I dipinti finali sono stati eseguiti ma non lo erano.

La produzione artistica di De Kooning ha attraversato quasi sette decenni e comprendeva dipinti, sculture, disegni e stampe. I suoi ultimi dipinti Source alla fine degli anni ‘1980. I suoi dipinti più famosi sono Pink Angels (c. 1945), Excavation (1950) e la sua terza serie Woman (1950–53) realizzata in uno stile più pittorico e con un approccio improvvisato. Negli anni ‘1940 ha lavorato contemporaneamente in stili astratti e rappresentativi. La sua svolta arrivò con le sue composizioni astratte in bianco e nero del 1948-49. A metà degli anni ‘1950 dipinge le astrazioni urbane, tornando alla figurazione negli anni ‘1960, poi alle grandi astrazioni gestuali negli anni ‘1970. Negli anni ‘1980, de Kooning è passato a lavorare su superfici lisce, vetri con colori brillanti e trasparenti su frammenti di disegni gestuali.

Gotico americano – Grant Wood

La curatrice Jane Milosch allo Smithsonian American Art Museum insieme al famoso dipinto di Grant Wood chiamato “American Gothic”. Dimensioni della pittura: 78×65 cm (30 3/4 x 25 3/4 in). Pittura ad olio su Beaver Board.
Shealah Craighead / Casa Bianca / Getty Images

Il gotico americano è probabilmente il più famoso di tutti i dipinti che l’artista americano Grant Wood abbia mai creato. Ora è nell’Art Institute di Chicago.

Grant Wood dipinse “Gotico americano” nel 1930. Raffigura un uomo e sua figlia (non sua moglie1) in piedi davanti alla loro casa. Grant ha visto l’edificio che ha ispirato il dipinto a Eldon, Iowa. Lo stile architettonico è il gotico americano, da cui il dipinto prende il titolo. I modelli per il dipinto erano la sorella di Wood e il loro dentista. Il dipinto è firmato vicino al bordo inferiore, sulla tuta dell’uomo, con il nome dell’artista e l’anno (Grant Wood 2).

Cosa significa il dipinto? Wood intendeva che fosse una resa dignitosa del carattere degli americani del Midwest, mostrando la loro etica puritana. Ma potrebbe essere considerato come un commento (satira) sull’intolleranza delle popolazioni rurali verso gli estranei. Il simbolismo nel dipinto include il duro lavoro (il forcone) e la domesticità (vasi di fiori e grembiule di stampa coloniale). Se guardi da vicino, vedrai i tre rebbi del forcone riecheggiare nelle cuciture della tuta dell’uomo, continuando le strisce sulla sua camicia.

Fonte:
American Gothic, Art Institute of Chicago, recuperato il 23 marzo 2011.

“Cristo di San Giovanni della Croce” – Salvador Dalì

Cristo di San Giovanni della Croce di Salvador Dali, collezione della Kelvingrove Art Gallery, Glasgow.
Jeff J Mitchell / Getty Images

Questo dipinto di Salvador Dalì è nella collezione della Kelvingrove Art Gallery and Museum di Glasgow, in Scozia. Fu esposto per la prima volta alla galleria il 23 giugno 1952. Il dipinto fu acquistato per £ 8,200, che era considerato un prezzo elevato anche se includeva il copyright che ha permesso alla galleria di guadagnare le tasse di riproduzione (e vendere innumerevoli cartoline!) .

Era insolito per Dalì vendere il copyright di un dipinto, ma aveva bisogno dei soldi. (Il copyright rimane con l’artista a meno che non sia stato firmato, vedere le domande frequenti sul copyright dell’artista.)

“Apparentemente in difficoltà finanziarie, Dali inizialmente chiese 12,000 sterline, ma dopo qualche dura contrattazione … lo vendette per quasi un terzo in meno e firmò una lettera alla città [di Glasgow] nel 1952 per cedere il copyright.

Il titolo del dipinto è un riferimento al disegno che ha ispirato Dalì. Il disegno a penna e inchiostro è stato eseguito dopo una visione che San Giovanni della Croce (un frate carmelitano spagnolo, 1542–1591) ebbe in cui vide la crocifissione di Cristo come se la guardasse dall’alto. La composizione colpisce per il suo punto di vista insolito sulla crocifissione di Cristo, l’illuminazione è drammatica con forti ombre e il grande uso dello scorcio nella figura. Il paesaggio nella parte inferiore del dipinto è il porto della città natale di Dalì, Port Lligat in Spagna.
Il dipinto è stato controverso in molti modi: l’importo che è stato pagato per esso; l’oggetto; lo stile (che sembrava retrò piuttosto che moderno). Maggiori informazioni sul dipinto sul sito web della galleria.

Fonte:
“Surreal Case of the Dali Images and a Battle Over Artistic License” di Severin Carrell, The Guardian, 27 gennaio 2009

Lattine di zuppa di Campbell – Andy Warhol

Andy Warhol’s Soup Tin Paintings.
© Tjeerd Wiersma / Flickr

Dettaglio delle lattine di zuppa di Andy Warhol Campbell. Acrilico su tela. 32 dipinti ciascuno 20×16 “(50.8×40.6 cm). Nella collezione del Museum of Modern Art (MoMA) di New York.

Warhol ha esposto per la prima volta la sua serie di dipinti di lattine di zuppa Campbell nel 1962, con il fondo di ogni dipinto appoggiato su uno scaffale come farebbe una lattina in un supermercato. Ci sono 32 dipinti nella serie, il numero di varietà di zuppa vendute all’epoca da Campbell’s.

Se avessi immaginato Warhol che riempiva la sua dispensa di lattine di zuppa e poi mangiava una lattina mentre aveva finito di dipingere, beh, sembra di no. Secondo il sito web di Moma, Warhol ha utilizzato un elenco di prodotti di Campbell per assegnare un sapore diverso a ciascun dipinto.

Quando gli è stato chiesto a riguardo, Warhol ha detto:

“Lo bevevo. Ho mangiato lo stesso pranzo tutti i giorni, per vent’anni, immagino, la stessa cosa ancora e ancora.” 1

Anche Warhol apparentemente non aveva un ordine in cui voleva che i dipinti fossero visualizzati. Moma mostra i dipinti “in file che riflettono l’ordine cronologico in cui [le zuppe] sono state introdotte, a cominciare da” Pomodoro “in alto a sinistra, che ha debuttato in 1897. ”

Quindi, se dipingi una serie e desideri che vengano visualizzate in un ordine particolare, assicurati di prenderne nota da qualche parte. Il bordo posteriore delle tele è probabilmente il migliore in quanto non verrà separato dal dipinto (anche se potrebbe essere nascosto se i dipinti sono incorniciati).

Warhol è un artista che viene spesso menzionato da pittori che vogliono realizzare opere derivate. Vale la pena notare due cose prima di fare cose simili:

  1. Sul sito web di Moma, c’è un’indicazione di una licenza da Campbell’s Soup Co (cioè, un accordo di licenza tra la società di zuppa e la proprietà dell’artista).
  2. L’applicazione del copyright sembra essere stata un problema minore ai tempi di Warhol. Non fare ipotesi sul copyright basate sul lavoro di Warhol. Fai la tua ricerca e decidi qual è il tuo livello di preoccupazione su un possibile caso di violazione del copyright.

Campbell non commissionò a Warhol la realizzazione dei dipinti (anche se successivamente ne commissionarono uno per un presidente del consiglio in pensione nel 1964) e fu preoccupato quando il marchio apparve nei dipinti di Warhol nel 1962, adottando un approccio attendista per giudicare quale fosse la risposta era per i dipinti. Nel 2004, 2006 e 2012 Campbell’s ha venduto barattoli con speciali etichette commemorative di Warhol.

Fonte:
1. Come citato su Moma, visitato il 31 agosto 2012.

Alberi più grandi vicino a Warter – David Hockney

David Hockney alberi più grandi vicino a Warter.
In alto: Dan Kitwood / Getty Images In basso: foto di Bruno Vincent / Getty Images

Top: L’artista David Hockney in piedi accanto a parte del suo dipinto a olio “Bigger Trees Near Warter”, che ha donato alla Tate Britain nell’aprile 2008.

In basso: Il dipinto è stato esposto per la prima volta alla Summer Exhibition 2007 presso la Royal Academy di Londra, occupando l’intera parete.

Il dipinto a olio di David Hockney “Bigger Trees Near Warter” (chiamato anche Peinture en Plein Air pour l’age Post-Photographique) raffigura una scena vicino a Bridlington nello Yorkshire. Il dipinto composto da 50 tele disposte una accanto all’altra. Sommati insieme, la dimensione complessiva del dipinto è di 40×15 metri (4.6×12 piedi).

Nel momento in cui Hockney lo dipinse, era il pezzo più grande che avesse mai completato, anche se non il primo che aveva creato utilizzando più tele.

“L’ho fatto perché ho capito che potevo farlo senza una scala. Quando dipingi devi essere in grado di fare un passo indietro. Beh, ci sono artisti che sono stati uccisi mentre facevano un passo indietro dalle scale, no?”
– Hockney citato in un notiziario Reuter, 7 aprile 2008.

Hockney ha usato disegni e un computer per aiutare con la composizione e la pittura. Dopo che una sezione è stata completata, è stata scattata una foto in modo che potesse vedere l’intero dipinto sul computer.

“Per prima cosa, Hockney ha abbozzato una griglia che mostra come la scena si adatterebbe insieme oltre 50 pannelli. Quindi ha iniziato a lavorare su singoli pannelli in situ. Mentre ci lavorava, sono stati fotografati e trasformati in un mosaico al computer in modo da poter tracciare il suo progresso, dal momento che poteva avere solo sei pannelli sul muro in qualsiasi momento. ”

Fonte: 
Charlotte Higgins, corrispondente del Guardian Arts, Hockney dona un enorme lavoro alla Tate, il 7 aprile 2008.

Dipinti di guerra di Henry Moore

Tube Shelter Perspective Liverpool Street Extension di Henry Moore 1941. Inchiostro, acquarello, cera e matita su carta.
Tate © Riprodotto con il permesso della Fondazione Henry Moore

La mostra di Henry Moore alla Tate Britain Gallery di Londra si è svolta dal 24 febbraio all’8 agosto 2010. 

L’artista britannico Henry Moore è famoso soprattutto per le sue sculture, ma anche per i suoi dipinti a inchiostro, cera e acquarello di persone che si rifugiano nelle stazioni della metropolitana di Londra durante la seconda guerra mondiale. Moore era un artista di guerra ufficiale e la mostra di Henry Moore del 2010 alla Tate Britain Gallery ha una sala dedicata a questi. Realizzate tra l’autunno del 1940 e l’estate del 1941, le sue raffigurazioni di figure addormentate rannicchiate nei tunnel del treno catturarono un senso di angoscia che trasformò la sua reputazione e influenzò la percezione popolare del Blitz. Il suo lavoro degli anni ‘1950 rifletteva le conseguenze della guerra e la prospettiva di un ulteriore conflitto.

Moore è nato nello Yorkshire e ha studiato alla Leeds School of Art nel 1919, dopo aver prestato servizio nella prima guerra mondiale. Nel 1921 vinse una borsa di studio al Royal College di Londra. In seguito ha insegnato al Royal College e alla Chelsea School of Art. Dal 1940 Moore visse a Perry Green nell’Hertfordshire, oggi sede della Henry Moore Foundation. Alla Biennale di Venezia del 1948, Moore vinse il Premio Internazionale di Scultura.

“Frank” – Chuck Close

“Frank” – Chuck Close.
Tim Wilson / Flickr

“Frank” di Chuck Close, 1969. Acrilico su tela. Dimensioni 108 x 84 x 3 pollici (274.3 x 213.4 x 7.6 cm). Nel Minneapolis Institute of Art.

Autoritratto e foto ritratto di Lucian Freud

A sinistra: “Autoritratto: Riflessione” di Lucian Freud (2002) 26×20 “(66×50.8 cm). Olio su tela. A destra: Ritratto fotografico scattato nel dicembre 2007.
Scott Wintrow / Getty Images

L’artista Lucian Freud è rinomato per il suo sguardo intenso e spietato ma, come mostra questo autoritratto, lo rivolge a se stesso, non solo ai suoi modelli.

1. “Penso che un bel ritratto abbia a che fare con … il sentimento, l’individualità e l’intensità del rispetto e l’attenzione per lo specifico.” 1
2. “… devi provare a dipingere te stesso come un’altra persona. Con gli autoritratti la ‘somiglianza’ diventa una cosa diversa. Devo fare quello che sento senza essere un espressionista.” 2


Fonte:
1. Lucian Freud, citato in Freud at Work p32-3. 2. Lucian Freud citato in Lucian Freud di William Feaver (Tate Publishing, Londra 2002), p43.

“Il padre di Mona Lisa” – Man Ray

“Il padre di Mona Lisa” di Man Ray.
Neologismo / Flickr

“The Father Of Mona Lisa” di Man Ray, 1967. Riproduzione di disegno montato su fibra di legno, con sigaro aggiunto. Dimensioni 18 x 13 5/8 x 2 5/8 pollici (45.7 x 34.6 x 6.7 cm). Nella collezione del Museo Hirshorn.

Molte persone associano Man Ray solo alla fotografia, ma era anche un artista e un pittore. Era amico dell’artista Marcel Duchamp e ha lavorato in collaborazione con lui.

Nel maggio 1999, la rivista Art News ha incluso Man Ray nell’elenco dei 25 artisti più influenti del 20 ° secolo, per la sua fotografia e “esplorazioni di film, pittura, scultura, collage, assemblaggio. Questi prototipi sarebbero poi stati chiamati performance art e arte concettuale. ” 

Art News ha detto: 

“Man Ray ha offerto agli artisti di tutti i media un esempio di intelligenza creativa che, nella sua ‘ricerca del piacere e della libertà’ [i principi guida dichiarati di Man Ray] ha aperto ogni porta a cui è arrivato e ha camminato liberamente dove avrebbe voluto.” (Fonte citazione: Art News, maggio 1999, “Willful Provocateur” di AD Coleman.)

Questo pezzo, “Il padre della Gioconda”, mostra come un’idea relativamente semplice possa essere efficace. La parte difficile è trovare l’idea in primo luogo; a volte vengono come un lampo di ispirazione; a volte come parte del brainstorming di idee; a volte sviluppando e perseguendo un concetto o un pensiero.

Pittori famosi: Yves Klein

 Charles Wilp / Smithsonian Institution / Hirshhorn Museum

Retrospettiva: Mostra di Yves Klein all’Hirshhorn Museum di Washington, USA, dal 20 maggio 2010 al 12 settembre 2010.

L’artista Yves Klein è probabilmente il più famoso per le sue opere monocromatiche caratterizzate dal suo blu speciale (vedi “Pennello vivente” per esempio). IKB o International Klein Blue è un blu oltremare che ha formulato.

Definendosi “il pittore dello spazio”, “Klein” ha cercato di raggiungere la spiritualità immateriale attraverso il colore puro “e si è occupato delle” nozioni contemporanee della natura concettuale dell’arte “1.

Klein ha avuto una carriera relativamente breve, meno di dieci anni. La sua prima opera pubblica fu un libro d’artista Yves Peintures (“Yves Paintings”), pubblicato nel 1954. La sua prima mostra pubblica fu nel 1955. Morì per un attacco di cuore nel 1962, all’età di 34 anni. (Timeline of Klein’s Life from the Yves Klein Archivi.)

Fonte:
1. Yves Klein: With the Void, Full Powers, Hirshhorn Museum, http://hirshhorn.si.edu/exhibitions/view.asp?key=21&subkey=252, visitato il 13 maggio 2010.

“Pennello vivente” – Yves Klein

Untitled (ANT154) di Yves Klein. Pigmento e resina sintetica su carta, su tela. 102×70 pollici (259×178 cm). Nella collezione del San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA).
David Marwick / Flickr

Questo dipinto dell’artista francese Yves Klein (1928-1962) è una delle serie che ha usato “pennelli viventi”. Ha coperto le modelle di donne nude con la sua caratteristica vernice blu (International Klein Blue, IKB) e poi in un’opera d’arte di fronte a un pubblico “dipinta” con loro su grandi fogli di carta dirigendoli verbalmente.

Il titolo “ANT154” deriva da un commento fatto da un critico d’arte, Pierre Restany, che descrive i dipinti prodotti come “antropometrie del periodo blu”. Klein ha usato l’acronimo ANT come titolo della serie.

Pittura nera – Ad Reinhardt

La pittura nera di Ad Reinhardt.
Amy Sia / Flickr

“C’è qualcosa di sbagliato, irresponsabile e insensato nel colore; qualcosa di impossibile da controllare. Il controllo e la razionalità fanno parte della mia moralità.” – Ad Reinhard nel 1960 1

Questo dipinto monocromatico dell’artista americano Ad Reinhardt (1913-1967) si trova al Museum of Modern Art (Moma) di New York. È 60 x 60 “(152.4 x 152.4 cm), olio su tela, ed è stato dipinto nel 1960-61. Negli ultimi dieci anni e per un po ‘della sua vita (è morto nel 1967), Reinhardt ha usato solo il nero nei suoi dipinti.

Amy Sia, che ha scattato la foto, dice che l’usciere sta sottolineando come il dipinto è suddiviso in nove quadrati, ciascuno di una diversa tonalità di nero.

Non preoccuparti se non riesci a vederlo nella foto. È difficile da vedere anche quando sei davanti al dipinto. Nel suo saggio su Reinhardt per il Guggenheim, Nancy Spector descrive le tele di Reinhardt come “quadrati neri smorzati contenenti forme cruciformi appena distinguibili [che] sfidano i limiti della visibilità” 2.

Fonte:
1. Il colore nell’arte di John Gage, p205
2. Reinhardt di Nancy Spector, Museo Guggenheim (Accesso 5 agosto 2013)

La pittura londinese di John Virtue

Pittura acrilica bianca, inchiostro nero e gommalacca su tela. Nella collezione della National Gallery di Londra.
Jacob Appelbaum / Flickr

L’artista britannico John Virtue ha dipinto paesaggi astratti solo in bianco e nero dal 1978. Su un DVD prodotto dalla National Gallery di Londra, Virtue dice che lavorare in bianco e nero lo costringe a “essere inventivo … a reinventare”. Evitare il colore “approfondisce il mio senso di che colore ci sia … Il senso della realtà di ciò che vedo … è migliore, più accurato e più trasmesso non avendo una tavolozza di colori ad olio. Il colore sarebbe un vicolo cieco”.

Questo è uno dei dipinti londinesi di John Virtue, realizzato mentre era artista associato alla National Gallery (dal 2003 al 2005). Il sito web della National Gallery descrive i dipinti di Virtue come aventi “affinità con la pittura a pennello orientale e l’espressionismo astratto americano” e in stretta relazione con “i grandi pittori paesaggisti inglesi, Turner e Constable, che Virtue ammira enormemente”, oltre ad essere influenzati dagli “olandesi e paesaggi fiamminghi di Ruisdael, Koninck e Rubens “.

La virtù non dà titoli ai suoi quadri, ma solo numeri. In un’intervista nel numero di aprile 2005 della rivista Artist’s and Illustrators, Virtue afferma di aver iniziato a numerare cronologicamente il suo lavoro nel 1978, quando ha iniziato a lavorare in bianco e nero:

“Non c’è gerarchia. Non importa se è 28 piedi o tre pollici. È un diario non verbale della mia esistenza.”

I suoi dipinti si chiamano semplicemente “Landscape No.45” o “Landscape No.630” e così via.

The Art Bin – Michael Landy

Foto di mostre e dipinti famosi per ampliare le tue conoscenze artistiche. Foto da “The Art Bin” una mostra di Michael Landy alla South London Gallery. In alto: stare vicino al cestino dà davvero un senso di scala. In basso a sinistra: parte dell’arte nel cestino. In basso a destra: un pesante dipinto incorniciato che sta per diventare spazzatura.
Foto © 2010 Marion Boddy-Evans. Concesso in licenza a About.com, Inc.

La mostra Art Bin dell’artista Michael Landy si è svolta presso la South London Gallery dal 29 gennaio al 14 marzo 2010. Il concept è un enorme bidone della spazzatura (600 m3) costruito nello spazio della galleria, in cui l’arte viene gettata via “, un monumento al fallimento creativo “1.

Ma non solo una vecchia arte; dovevi fare domanda per gettare la tua arte nella spazzatura, online o in galleria, con Michael Landy o uno dei suoi rappresentanti che decidevano se poteva essere inclusa o meno. Se accettato, veniva gettato nel cestino da una torre a un’estremità.

Quando ero alla mostra, sono stati gettati diversi pezzi e la persona che ha lanciato il lancio aveva avuto molta pratica dal modo in cui era in grado di far scivolare un dipinto sull’altro lato del contenitore.

L’interpretazione dell’arte si dirige verso il percorso di quando / perché l’arte è considerata buona (o spazzatura), la soggettività nel valore attribuito all’arte, l’atto del collezionismo d’arte, il potere dei collezionisti d’arte e delle gallerie di creare o distruggere le carriere degli artisti.

È stato sicuramente interessante camminare lungo i lati osservando cosa era stato gettato, cosa si era rotto (molti pezzi di polistirolo) e cosa no (la maggior parte dei dipinti su tela erano interi). Da qualche parte in basso, c’era una grande stampa di teschi decorata con vetro di Damien Hirst e un pezzo di Tracey Emin. In definitiva, quello che potrebbe essere sarebbe riciclato (ad esempio barelle di carta e tela) e il resto destinato a finire in discarica. Sepolta come spazzatura, difficilmente verrà dissotterrata tra secoli da un archeologo.

Fonte:
1 e 2. #Michael Landy: Art Bin (http://www.southlondongallery.org/docs/exh/exhibition.jsp?id=164), sito web della South London Gallery, visitato il 13 marzo 2010.

Barack Obama – Shepard Fairey

“Barack Obama” di Shepard Fairey (2008). Stencil, collage e acrilico su carta. 60 x 44 pollici National Portrait Gallery, Washington DC. Dono della collezione Heather e Tony Podesta in onore di Mary K Podestà.
Shepard Fairey / ObeyGiant.com

Questo dipinto del politico statunitense Barack Obama, collage con stampini a tecnica mista, è stato creato dall’artista di strada di Los Angeles Shepard Fairey. Era l’immagine del ritratto centrale utilizzata nella campagna elettorale presidenziale di Obama del 2008 e distribuita come stampa in edizione limitata e download gratuito. Ora è nella National Portrait Gallery di Washington DC.
 

1. “Per creare il suo poster di Obama (cosa che ha fatto in meno di una settimana), Fairey ha preso una foto di notizie del candidato da Internet. Ha cercato un Obama che sembrasse presidenziale. … L’artista ha quindi semplificato le linee e la geometria , utilizzando una tavolozza patriottica rossa, bianca e blu (con la quale gioca rendendo il bianco un beige e il blu una tonalità pastello) … parole in grassetto …
2. “I suoi poster di Obama (e molte delle sue opere commerciali e artistiche) sono rielaborazioni delle tecniche dei propagandisti rivoluzionari: i colori vivaci, le lettere audaci, la semplicità geometrica, le pose eroiche”.

Fonte: 
“Obama’s On-the-Wall Endorsement” di William Booth, Washington Post 18 maggio 2008. 

“Requiem, rose bianche e farfalle” – Damien Hirst

“Requiem, rose bianche e farfalle” di Damien Hirst (2008). 1500 x 2300 mm. Olio su tela. Per gentile concessione di Damien Hirst e The Wallace Collection.
Prudence Cuming Associates Ltd / Damien Hirst

L’artista britannico Damien Hirst è famoso soprattutto per i suoi animali conservati nella formaldeide, ma nei primi anni ’40 è tornato alla pittura a olio. Nell’ottobre 2009 ha esposto per la prima volta a Londra dipinti realizzati tra il 2006 e il 2008. Questo esempio di un dipinto non ancora famoso di un famoso artista proviene dalla sua mostra alla Wallace Collection di Londra dal titolo “No Love Lost”. (Date: dal 12 ottobre 2009 al 24 gennaio 2010.)

BBC News ha citato Hirst come dicendo 

“Adesso dipinge solo a mano”, che per due anni i suoi “quadri sono stati imbarazzanti e non volevo che entrasse nessuno”. e che “ha dovuto reimparare a dipingere per la prima volta da quando era uno studente d’arte adolescente”. 1

Il comunicato stampa che accompagna la mostra Wallace diceva: 

“‘Blue Paintings’ testimonia una nuova direzione audace nel suo lavoro; una serie di dipinti che, nelle parole dell’artista, sono ‘profondamente collegati al passato'”.

Mettere la pittura su tela è certamente una nuova direzione per Hirst e, dove va Hirst, è probabile che gli studenti d’arte seguano. La pittura a olio potrebbe tornare di moda.

La guida di About.com a London Travel, Laura Porter, è andata all’anteprima per la stampa della mostra di Hirst e ha ottenuto una risposta all’unica domanda che volevo sapere: quali pigmenti blu stava usando?

A Laura è stato detto che era “blu di Prussia per tutti tranne uno dei 25 dipinti, che è nero”. Non c’è da stupirsi che sia un blu così scuro e fumante!

Il critico d’arte Adrian Searle di The Guardian non è stato molto favorevole ai dipinti di Hirst:

“Nel peggiore dei casi, il disegno di Hirst sembra solo amatoriale e adolescenziale. La sua pennellata manca di quella grinta e brio che ti fa credere alle bugie del pittore. Non riesce ancora a portarlo via.” 2

Fonte:
1 Hirst “Gives Up Pickled Animals”, BBC News, 1 ottobre 2009
2. “Damien Hirst’s Paintings are Deadly Dull”, Adrian Searle, Guardian, 14 ottobre 2009.

Artisti famosi: Antony Gormley

L’artista Antony Gormley (in primo piano) al primo giorno della sua opera d’arte di installazione Fourth Plinth in Trafalgar Square a Londra.
Jim Dyson / Getty Images

Antony Gormley è un artista britannico forse più famoso per la sua scultura Angel of the North, inaugurata nel 1998. Si trova a Tyneside, nel nord-est dell’Inghilterra, su un sito che un tempo era una miniera di carbone, e ti accoglie con le sue ali larghe 54 metri.

Nel luglio 2009 l’opera d’arte dell’installazione di Gormley sul quarto plinto di Trafalgar Square a Londra ha visto un volontario in piedi per un’ora sul piedistallo, 24 ore al giorno, per 100 giorni. A differenza degli altri piedistalli di Trafalgar Square, il quarto piedistallo direttamente fuori dalla National Gallery, non ha una statua permanente su di esso. Alcuni dei partecipanti erano artisti stessi e hanno abbozzato il loro punto di vista insolito (foto).

Antony Gormley è nato nel 1950 a Londra. Ha studiato in vari college nel Regno Unito e Buddismo in India e Sri Lanka, prima di concentrarsi sulla scultura alla Slade School of Art di Londra tra il 1977 e il 1979. La sua prima mostra personale è stata alla Whitechapel Art Gallery nel 1981. Nel 1994 Gormley ha vinto il Turner Prize con il suo “Field for the British Isles”.

La sua biografia sul suo sito web dice:

… Antony Gormley ha rivitalizzato l’immagine umana nella scultura attraverso un’indagine radicale del corpo come luogo di memoria e trasformazione, utilizzando il proprio corpo come soggetto, strumento e materiale. Dal 1990 ha ampliato la sua preoccupazione per la condizione umana per esplorare il corpo collettivo e il rapporto tra sé e l’altro in installazioni di grandi dimensioni …

Gormley non sta creando il tipo di figura che fa perché non può fare statue in stile tradizionale. Piuttosto si compiace della differenza e della capacità che ci danno di interpretarli. In un’intervista con The Times 1, ha detto:

“Le statue tradizionali non riguardano il potenziale, ma qualcosa che è già completo. Hanno un’autorità morale che è opprimente piuttosto che collaborativa. Le mie opere riconoscono il loro vuoto”.

Fonte:
Antony Gormley, l’uomo che ha rotto gli schemi di John-Paul Flintoff, The Times, 2 marzo 2008.

Famosi pittori britannici contemporanei

Pittori contemporanei.
Peter Macdiarmid / Getty Images

Da sinistra a destra, gli artisti Bob e Roberta Smith, Bill Woodrow, Paula Rego, Michael Craig-Martin, Maggi Hambling, Brian Clarke, Cathy de Moncheaux, Tom Phillips, Ben Johnson, Tom Hunter, Peter Blake e Alison Watt.

L’occasione è stata una visione del dipinto Diana e Atteone di Tiziano (non visto, a sinistra) alla National Gallery di Londra, con l’obiettivo di raccogliere fondi per acquistare il dipinto per la galleria.

Artisti famosi: Lee Krasner e Jackson Pollock

Lee Krasner e Jackson Pollock a East Hampton, ca. 1946. Foto 10×7 cm. Carte di Jackson Pollock e Lee Krasner, ca. 1905-1984. Archivi di arte americana, Smithsonian Institution.
Ronald Stein / Jackson Pollock e Lee Krasner Papers

Di questi due pittori, Jackson Pollock è più famoso di Lee Krasner, ma senza il suo supporto e la promozione delle sue opere d’arte, potrebbe non avere il posto nella sequenza temporale artistica che ha. Entrambi dipinti in uno stile espressionista astratto. Krasner ha lottato per il successo della critica a pieno titolo, piuttosto che essere semplicemente considerata la moglie di Pollock. Krasner ha lasciato un’eredità per fondare la Pollock-Krasner Foundation, che concede sovvenzioni agli artisti visivi.

Cavalletto a scala di Louis Aston Knight

Louis Aston Knight e il suo cavalletto a scala. 1890 circa (fotografo non identificato. Stampa fotografica in bianco e nero. Dimensioni: 18 cm x 13 cm. Collezione: Documenti del dipartimento di riferimento per l’arte dei figli di Charles Scribner, 1865-1957 circa).
Archivi di arte americana / Smithsonian Institution

Louis Aston Knight (1873-1948) era un artista americano nato a Parigi noto per i suoi dipinti di paesaggi. Inizialmente si è formato sotto il padre artista, Daniel Ridgway Knight. Espone per la prima volta al Salone francese nel 1894 e ha continuato a farlo per tutta la vita ottenendo consensi anche in America. Il suo dipinto The Afterglow fu acquistato nel 1922 dal presidente degli Stati Uniti Warren Harding per la Casa Bianca.

Questa foto dall’Archives of American Art, purtroppo, non ci dà una posizione, ma devi pensare che qualsiasi artista disposto a guadare in acqua con la sua scala da cavalletto e le pitture era molto dedito all’osservazione della natura o piuttosto showman.

1897: una classe d’arte femminile

Una lezione di arte femminile con l’istruttore William Merritt Chase.
Archivi di arte americana / Smithsonian Institution.

Questa foto del 1897 dall’Archives of American Art mostra una lezione d’arte femminile con l’istruttore William Merritt Chase. In quell’epoca, uomini e donne frequentavano i corsi d’arte separatamente, dove, a causa dei tempi, le donne erano abbastanza fortunate da poter ricevere un’istruzione artistica.

Art Summer School intorno al 1900

Summer Art School nel 1900.
Archivi di arte americana / Smithsonian Institute

Gli studenti d’arte dei corsi estivi della St Paul School of Fine Arts, Mendota, Minnesota, furono fotografati intorno al 1900 con l’insegnante Burt Harwood.

Moda a parte, i grandi cappelli da sole sono molto pratici per dipingere all’aperto in quanto tengono il sole lontano dagli occhi e impediscono al viso di scottarsi (così come un top a maniche lunghe).

“Nelson’s Ship in a Bottle” – Yinka Shonibar

Nelson’s Ship in a Bottle sul quarto zoccolo in Trafalgar Square di Yinka Shonibar.
Dan Kitwood / Getty Images

A volte è la scala di un’opera d’arte a conferirle un impatto drammatico, molto più del soggetto. “Nelson’s Ship in a Bottle” di Yinka Shonibar è un pezzo del genere.

“Nelson’s Ship in a Bottle” di Yinka Shonibar è una nave alta 2.35 metri dentro una bottiglia ancora più alta. È una replica in scala 1:29 dell’ammiraglia del vice ammiraglio Nelson, la HMS Victory.

“Nelson’s Ship in a Bottle” è apparso sul quarto plinto di Trafalgar Square a Londra il 24 maggio 2010. Il quarto plinto rimase vuoto dal 1841 al 1999, quando fu la prima di una serie di opere d’arte contemporanee in corso, commissionate appositamente per il plinto dal Quarto gruppo di messa in servizio dello zoccolo.

L’opera prima di “Nelson’s Ship in a Bottle” era One & Other di Antony Gormley, in cui una persona diversa stava sul piedistallo per un’ora, 100 ore su XNUMX, per XNUMX giorni.

Dal 2005 al 2007 si è potuta vedere una scultura di Marc Quinn, Alison Lapper Pregnant, e da novembre 2007 è stata Model for a Hotel 2007 di Thomas Schutte.

I disegni batik sulle vele di “Nelson’s Ship in a Bottle” sono stati stampati a mano dall’artista su tela, ispirandosi ai tessuti africani e alla loro storia. La bottiglia è di 5×2.8 metri, fatta di perspex non di vetro, e l’apertura della bottiglia è abbastanza grande da potersi arrampicare all’interno per costruire la nave.