Matisse ottiene il suo posto nella linea temporale della pittura a causa del suo uso del colore. Ha fatto cose con il colore che nessuno aveva mai fatto prima e ha influenzato molti artisti che lo hanno seguito. Il Red Studio di Matisse è importante per il suo uso del colore e la sua prospettiva appiattita, la sua alterazione della realtà e la nostra percezione dello spazio.
Lo dipinse nel 1911, dopo la sua esposizione all'arte islamica tradizionale durante una visita in Spagna, che influenzò il suo uso del motivo, della decorazione e della rappresentazione dello spazio. Red Studio viene raggruppato insieme ad altri tre dipinti che Matisse fece quell'anno - The Painter's Family, The Pink Studio e Interior with Aubergines - come in piedi "a un crocevia per la pittura occidentale, dove la classica arte esteriore, prevalentemente rappresentativa del passato ha incontrato l'ethos provvisorio, interiorizzato e autoreferenziale del futuro "1.
Gli elementi inclusi in Matisse "affondano le loro identità individuali in quella che divenne una meditazione prolungata sull'arte e la vita, lo spazio, il tempo, la percezione e la natura della realtà stessa." 2 O in parole molto più semplicistiche, dipinse una realtà personale, il mondo come lui lo percepiva e lo sperimentava, in un modo che per lui aveva senso.
Se guardi i suoi primi dipinti, come Harmony in Red, dipinto nel 1908, vedrai che Matisse stava lavorando verso lo stile in Red Studio, non è saltato fuori dal nulla.
Ma la prospettiva è tutto sbagliato ...
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"The Red Studio" di Henri Matisse. Dipinto nel 1911. Dimensioni: 71 "x 7 '2" (circa 180 x 220 cm). Olio su tela. Nella collezione del Moma, New York.
Foto © Liane usata con autorizzazione
Matisse non ha "sbagliato" la prospettiva, l'ha dipinta come voleva. Ha appiattito la prospettiva nella stanza e l'ha modificata dal modo in cui percepiamo la prospettiva con i nostri occhi.
La questione di ottenere la prospettiva "giusta" si applica solo se stai cercando di dipingere in uno stile realista, cioè di creare un'illusione di realtà e profondità in un dipinto. Se questo non è il tuo obiettivo, non puoi "sbagliare" la prospettiva. E non è che Matisse non sapesse nemmeno come farlo "bene"; ha solo scelto di non farlo in quel modo.
Un dipinto è in definitiva una rappresentazione o espressione di qualcosa ricreato in due dimensioni, non deve farlo come un'illusione di tre dimensioni. Gli stili di pittura occidentali prima del Rinascimento non usavano quella che ora pensiamo come prospettiva tradizionale (ad esempio il gotico). Le forme d'arte cinese e giapponese non lo sono mai state. Il cubismo rompe deliberatamente la prospettiva, rappresentando un singolo oggetto da diversi punti di vista.
Non lasciarti ingannare dal pensare Red Studio è un dipinto o uno stile totalmente piatto. C'è ancora un senso di profondità nella stanza, creato dalla disposizione degli elementi. Ad esempio, c'è una linea a sinistra nel punto in cui il pavimento e il muro si incontrano (1). I mobili possono essere ridotti a contorni, ma i bordi del tavolo continuano ad inclinarsi man mano che si allontanano (2), così come la sedia (3). I dipinti sul retro sono chiaramente appoggiati a un muro (4), anche se non c'è separazione delle pareti laterali / posteriori (5) nel modo in cui c'è tra il pavimento e la parete laterale. Ma leggiamo il bordo del grande dipinto come se fosse comunque nell'angolo.
Si potrebbe anche dire che ogni elemento del dipinto sperimenta la prospettiva, ma è presentato come se l'artista stesse vedendo solo questo. La sedia è in prospettiva a due punti, il tavolo in uno, anche la finestra rientra in un punto di fuga. Sono giustapposti, quasi un collage di visioni diverse.
Un dipinto ingannevolmente semplice
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"The Red Studio" di Henri Matisse. Dipinto nel 1911. Dimensioni: 71 "x 7 '2" (circa 180 x 220 cm). Olio su tela. Nella collezione del Moma, New York.
Foto © Liane usata con autorizzazione
Credo che questo sia un dipinto con una composizione apparentemente semplice. Può sembrare che Matisse abbia messo le cose sulla tela in qualsiasi posto vecchio, o che prima abbia dipinto il tavolo e poi abbia dovuto riempire il resto dello spazio con qualcosa. Ma guarda il modo in cui la disposizione degli elementi guida il tuo sguardo intorno al dipinto.
Nella foto ho segnato quelle che per me sono le linee direzionali più forti, spingendo l'occhio dal basso verso l'alto e indietro dai bordi, intorno e intorno per prendere tutto. Ovviamente è possibile vederlo in altri modi, ad esempio in alto a destra, poi a sinistra. (Anche se il modo in cui leggi un dipinto è influenzato dalla direzione in cui leggi il testo.)
Considera come ha dipinto i vari elementi, che sono ridotti a contorni ea cui viene dato risalto. Notare che non ci sono ombre, ma c'è un'illuminazione riflessa sul vetro. Strizza gli occhi sul dipinto per vedere più chiaramente le aree di tonalità chiara e come creare un'unità nella composizione.
Non puoi vederlo nella foto, ma i contorni non sono dipinti sopra il rosso, ma i colori sotto il rosso sono visibili. (Se stai lavorando con l'acquerello, dovresti mascherare queste aree e con gli acrilici probabilmente dipingerlo sopra data la velocità con cui si asciugano, ma con gli oli potresti graffiare fino al colore inferiore se quello strato fosse asciutto. )
"Matisse non solo ha inondato il suo spazio pittorico con un lago piatto e monocromatico a piena saturazione, sommergendo l'angolo obliquo dello studio; inoltre trattava tutto tridimensionale come nient'altro che contorni inscritti. Nel frattempo, gli unici oggetti a cui è consentita la modellazione o il colore pieno risultano concettualmente piatti in virtù del loro essere di per sé piatti, ovvero il piatto circolare in primo piano ei dipinti appesi al muro o accatastati contro di esso."
- Daniel Wheeler, Arte dalla metà del secolo, p16.
Una pittura autobiografica
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"The Red Studio" di Henri Matisse. Dipinto nel 1911. Dimensioni: 71 "x 7 '2" (circa 180 x 220 cm). Olio su tela. Nella collezione del Moma, New York.
Foto © Liane usata con autorizzazione
Gli elementi in Red Studio invitarti nel mondo di Matisse. Per me la parte "vuota" in primo piano si legge come spazio sul pavimento, dove vorrei essere tra le cose in studio. Gli elementi formano una sorta di nido in cui si svolge il processo creativo.
I dipinti raffigurati sono tutti da lui, così come le sculture (1 e 2). Notare la scatola di matite o carboncino (3) sul tavolo e il suo cavalletto (4). Ma perché l'orologio non ha le lancette (5)?
Matisse sta descrivendo il processo creativo? Il tavolo funge da contenitore per le idee di cibo e bevande, natura e materiali d'artista; l'essenza della vita di un artista. C'è la rappresentazione di diversi soggetti: ritratti, nature morte, paesaggi. Una finestra per l'illuminazione. Il passare del tempo è indicato sia dall'orologio che dai dipinti incorniciati / senza cornice (incompiuti?). Si fa un confronto con la tridimensionalità del mondo con sculture e un vaso. Infine c'è la contemplazione, una sedia posizionata per visionare l'arte.
Red Studio inizialmente non era rosso. Invece esso "era originariamente un interno grigio-blu, corrispondente più da vicino al bianco dello studio di Matisse com'era in realtà. Questo grigio-blu piuttosto potente può ancora essere visto anche ad occhio nudo intorno alla parte superiore dell'orologio e sotto la vernice più sottile su Il lato sinistro. Si è discusso di cosa abbia costretto Matisse a trasformare il suo studio con questo rosso abbagliante: è stato addirittura suggerito che fosse stimolato nel modo più percettivo dall'immagine residua dei verdi del giardino in una giornata calda ."
- John Gage, Colore e cultura P212.
Nella sua biografia (pagina 81) Hilary Spurling dice: "I visitatori di Issy [Studio di Matisse] capirono immediatamente che nessuno aveva visto o immaginato niente di simile prima ... [Il dipinto di Red Studio] sembrava un segmento di muro distaccato con oggetti rudimentali che fluttuavano o sospesi su di esso. ... Da ora su (1911) dipinse realtà che esistevano solo nella sua mente."
Non è nemmeno ben dipinto ...
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"The Red Studio" di Henri Matisse. Dipinto nel 1911. Dimensioni: 71 "x 7 '2" (circa 180 x 220 cm). Olio su tela. Nella collezione del Moma, New York.
Foto © Liane usata con autorizzazione
- "Sembra che non sia riuscito a decidere dove mettere le cose."
- "È solo un miscuglio di pezzi senza alcun riguardo per il design compositivo."
- "Avrebbe potuto rappresentare i suoi sentimenti per questa stanza con i suoi pezzi in un modo molto più piacevole e forse non avrebbe dovuto spiegarlo."
- "I pezzi non sono nemmeno dipinti bene."
Commenti come questi (fatti sul Forum della pittura) sollevano la domanda: "Cosa definisci 'ben dipinto'?" Hai bisogno che sia con dettagli realistici e precisi? Intendi pittorico dove puoi vedere chiaramente di cosa si tratta, ma c'è anche un senso delle pennellate / pennellate usate per creare l'immagine? Può trasmettere il senso di una cosa senza dettagli precisi? È accettabile un certo grado di astrazione?
Alla fine dipende dalle preferenze personali e siamo fortunati a vivere in un'epoca in cui esistono così tanti stili. Tuttavia, solo dipingere oggetti in modo che sembrino rappresentazioni realistiche di se stessi limita molto il potenziale della pittura, secondo me. Il realismo è solo uno stile di pittura. Sembra "giusto" per molte persone a causa dell'influenza della fotografia, cioè l'immagine sembra esattamente come la cosa che rappresenta. Ma questo limita così il potenziale del mezzo (e della fotografia per quella materia).
Sapere cosa ti piace e cosa non ti piace fa parte dello sviluppo del tuo stile. Ma rifiutare il lavoro di un artista senza capire perché non ti piace o sapere perché è considerato un grosso problema significa chiudere una potenziale via di scoperta. Parte dell'essere un pittore è aprirsi alle possibilità, sperimentare semplicemente per vedere dove può portarti. Cose inaspettate possono provenire da fonti inaspettate. Di tanto in tanto ricevo e-mail da persone che hanno affrontato vari progetti di pittura che dicono di non aver mai fatto nulla di simile prima e sono rimasti piacevolmente sorpresi dai risultati. Ad esempio: The Worrier and Pinpointing the Problem !.
Non credo che mi piaceranno mai i dipinti di Matisse
"The Red Studio" di Henri Matisse. Dipinto nel 1911. Dimensioni: 71 "x 7 '2" (circa 180 x 220 cm). Olio su tela. Nella collezione del Moma, New York.
Foto © Liane usata con autorizzazione
Apprezzare il lavoro di un artista non è la stessa cosa che comprenderne l'importanza all'interno della linea temporale dell'arte. Siamo così abituati a una prospettiva "sbagliata" oggi che non ci pensiamo molto (indipendentemente dal fatto che ci piaccia o no). Ma a un certo punto un artista è stato il primo a farlo.
Parte dell'apprezzamento di The Red Studio deriva dal contesto in cui Matisse stava lavorando e dal concetto, non solo dal dipinto vero e proprio. Un esempio comparabile sarebbero i dipinti con campi di colore di Rothko; è difficile immaginare un tempo in cui coprire una tela con il solo colore non avesse precedenti.
Chi viene inserito nei libri come un maestro è una questione di moda e in una certa misura di fortuna, trovarsi nei posti o nelle gallerie giuste al momento giusto, avere accademici e curatori che ricercano e scrivono sul tuo lavoro. Matisse ha attraversato un periodo in cui è stata liquidata come puramente decorativa (e peggio), ma è stata rivalutata e gli è stato dato un ruolo più importante. Ora è ben considerato per la sua semplicità, il suo uso del colore, il suo design.